El que escucha música siente que su soledad, de repente, se puebla.
Robert Browning
III- Quinteto para Piano y Cuarteto de Cuerdas
en La Mayor Op. 14
de Camille Saint-Saens
La Música del Cámara no era moda en Francia, sino que era un producto alemán, hasta el momento ningún compositor Francés se había interesado por ella, ni siquiera el gran Berlioz, su música era para grandes orquestas y óperas, pues la Opera era lo que más interesaba a los Franceses, pero el inquieto prodigio Camille Saint-Saens se propuso imponer la moda de la música de cámara en Francia. Y lo logró, muchos compositores después de él, crearon música para conjuntos de cámara.
En su catálogo de obras encontramos cuartetos, tríos, sonatas para dos instrumentos y un quinteto para piano y cuerdas.
Su Quinteto para piano en La mayor, compuesto en 1853, es su primer esfuerzo importante en el ámbito de la música de cámara y, aunque sin duda es una obra de espíritu juvenil, desde el punto de vista de su composición, no es obra de un principiante. El crítico respetado y sabio, Emile Baumann, escribe sobre el quinteto de la siguiente manera:
"Es de singular madurez. Es evidente que el compositor ya había adquirido tanta facilidad en la escritura que nunca su habilidad técnica embotaba la frescura de la obra. Desde el comienzo del Allegro maestoso, es evidente que esta obra está inspirada en la nobleza de la forma."
Personalmente tengo atracción por la música de Saint-Saens, es bella, refinada y sutil, nada de lo que he escuchado de el me ha disgustado ni aburrido, siempre hay algún detalle que me sorprende, esto ocurre en este quinteto en cada uno de sus movimientos, la belleza de una melodía, o el acompañamiento del piano, que en esta obra es el principal instrumento, en ocasiones parece un concierto para piano, antes que un conjunto de cámara.
01-Allegro Maestoso
El trabajo comienza con una serie de atronadores acordes en el piano que las cuerdas después responden en voz baja. Estos acordes son la primera parte del tema principal dramático, lleno de entusiasmo y energía y se caracteriza por frecuentes intervalos de esta turbulenta tormenta. El segundo tema es mas dulce, lírico y relajado como una suave brisa en contraste al otro tormentoso tema.si no aparece la barra haz clic aquí
02-Andante Sostenuto
Otra vez comienza el piano, con algo que puede ser una especie de "Coral", algo religioso y confortante, intervienen las cuerdas y el movimiento se acelera con una melodía que da la impresión de algo etéreo casi celestial de la mano del violín, luego vuelve el coral, produciendo una música bella y reflexiva que sorprende.
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03- Presto
El piano comienza una danza veloz acompañado por la cuerdas, pero es interrumpido varias veces por interludios de tormenta que recuerdan a los del primer movimiento.si no aparece la barra haz clic aquí
04- Allegro assai, ma tranquilo.
Las cuerdas comienzan con una lenta y tranquila fuga, empezando desde el cello hasta el violín, hasta que aparece el piano acompañando y las cuerdas empiezan una enternecedora y adorable melodía, presten atención al piano es magnífico, que luego se convierte en una especie de un alegre himno, melodía que se va repitiendo con algunos cambios y guiños barrocos, demostrando una magnífica música.
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Texto
SOBRE LA VERSIÓN
The Nash Ensemble
Piano: Ian Brown
Violín I: Alexander Detisov
Violín II: Alexander Gelfat
Viola: Igor Suliga
Cello: Alexander Osokin
GRABACIÓN:
HYPERION - Camille Saint-Saëns (1835-1921) Chamber Music - The Nash Ensemble
Puede conseguirse en Hyperión
IV - Quinteto para Piano y Cuarteto de Cuerdas
en Do menor
de Alexander Borodin
Alexander Borodin no era compositor de tiempo completo, el también era un buen químico y con eso se ganaba la vida, pero su actividad profesional no le impidió que nos brindara obras tan bellas como sus Danzas Polovsianas, o sus Etepas del Asia Central, tampoco le impidió ser uno de los pilares de la música nacionalista rusa.
En su adolescencia Borodin aprendió a tocar el violonchelo, y, posteriormente, tocó en varios conjuntos, obteniendo gran experiencia en música de cámara y un conocimiento íntimo de el repertorio de Europa occidental, en general, su formación musical fue cualquier cosa menos sistemática, y es significativo que consideraba que el estudio de la música de cámara, una parte importante de su educación musical en gran medida autodidacta.
Durante sus años de estudiante en la Academia de Médicos de San Petersburgo, Borodin disfrutaba especialmente los encuentros de música de cámara en la casa de un violonchelista aficionado, Iván Cavrushkevich, donde las obras de Boccherini, Spohr, Onslow y Gebel a menudo eran tocada. Entre 1853-54 a sugerencia de Gavrushkevich, compone un quinteto de cuerdas que es una de las primeras obras de cámara de Rusia de la persuasión nacionalista. Sus propensiones folklore bien puede ser atribuible a la influencia de Franz Xavier Gebel (1787-1843), un alemán nacido en Rusia moscovita que incorporaron rasgos folclóricos en sus piezas más ligeras.
Debido a su profesión como químico se traslada a Heidelberg en Alemania para realizar un Doctorado, allí conoce y se compromete con Ekaterina Serguiéievna Protopopova, que estaba siendo tratado allí de la tuberculosis. Aconsejado por su médico para pasar a un clima más cálido, ella y Borodin, viajan a Italia en octubre de 1861. En Pisa Borodin tenía trabajo garantizado en el laboratorio de dos conocidos químicos, Lucca y Tassinari, donde estuvo por mucho tiempo. Segun el Diario de Ekaterina el 22 de mayo 1862 nos hablan de una intensa labor de Borodin en un Quinteto para Piano en Do menor, que finalmente es terminado el 17 de julio durante unas vacaciones de verano en la ciudad costera de Viareggio.
Sin duda, la influencia de Ekaterina fue crucial en la composición del quinteto para piano. Fue un pianista y una ferviente admirador de Chopin, Liszt ,Schumann y Mendelssohn a su gusto musical propio. Es razonable suponer que quinteto para piano de Schumann, que Borodin había escuchado un año antes, lo inspiró. Además, la influencia de Glinka, que había sido temporalmente eclipsados por Mendelssohn, es una vez más evidente en las melodías y las transiciones. Pero lo más importante es la original y la calidad puramente personal y la madurez de esta obra de Borodin. Es la última obra que compuso antes de su encuentro trascendental con Balakirev finales de ese año y el antecesor inmediato de la primera sinfonía. El lenguaje armónico es todavía tradicionalmente tonal, pero el elemento popular de Rusia asume su mayor importancia aún, y la forma es más libre que en ninguna de las primeras composiciones de Borodin. De hecho, el sistema formal tradicional, se revierte completamente.
01-Andante:
Ya desde los primeros acordes del piano la imaginación nos transporta a Rusia, esta obra tiene una gran atmósfera algo melancólica. Tiene forma de rondó que se basa en dos temas, la primera se escucha de inmediato, el segundo presentado por el piano solo. Ellos forman una estructura a-b-a-b-a con el desarrollo o la variación que ocurre en cada sección, de cierre con una coda breve basado en el segundo tema. Es un movimiento corto como si fuera una introducción.
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02-Scherzo. Allegro ma non troppo.
El violín se hace cargo de este movimiento empezando con una especie de danza que da origen a este alegre movimiento, hasta que comienza el piano un segundo tema mas lento y dulce como un bonito pero algo melancólico recuerdo. Que se comportaría como trio del scherzo. Luego comienza nuevamente la danza hasta el final.
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03- Finale. Allegro moderato
Este movimiento representan más de la mitad de la longitud total del quinteto, es el único movimiento en forma sonata. La idea principal es un hermoso tema algo melancólica, impregnada de espíritu popular de Rusia. Debido a la ambigüedad tonal de los analistas no están de acuerdo sobre lo que constituye el segundo tema. Algunos clasifican la melodía de violonchelo con gusto lírico como un pasaje de transición pertenecientes al grupo de sujetos en primer lugar, mientras que otros vincularlo al tema de la subsiguiente viola breve como parte del segundo tema.
Personalmente creo que es un himno ensoñador que nos transporta a una idílica Rusia, en momentos parece música new age, y el final es bellísimo pero que mejor que lo juzguen ustedes.
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Texto
Traducción:
Google Trauductor & eldalai
SOBRE LA VERSIÓN
Piano: Alexander Mndoiantz
Moscow String Quartet
Moscow String Quartet
Violín I: Marianne Thorsen
Violín II: Benjamin Nabarro
Viola: Lawrence Power
Cello: Paul Watkins
GRABACIÓN:
BRILLIANT CLASSICS - BORODIN Chamber Music Alexander Mndoiantz, Alexander Gotthelf. Moscow String Quartet Brilliant Classics 3cds
Puede conseguirse en Brilliant Classics
V- Quinteto para Piano y Cuarteto de Cuerdas
en Fa menor Op. 34
de Johannes Brahms
En septiembre de 1862 en Hamburgo Johannes Brahms, que tenía 29 años, escribio su obra Op. 34, un Quinteto para 2 violines, viola y 2 cellos, osea un Quinteto de Cuerdas. Pero como siempre, envió la obra a sus amigos músicos más cercanos, Clara Schumann ( de quien dicen las malas lenguas estaba enamorado) y Joseph Joachim (un gran violinista de la época), para que aprobaran la obra. Ambos respondieron que era una obra maestra, pero Joachim le aclaro que habría algún problema con la orquestación.
Joachim ensayo la obra con un cuarteto de amigos y se la hicieron escuchar a Brahms en Hannover en la primavera de 1863, Por alguna razón Brahms quedó tan desalentado, que convirtió la obra en una sonata para dos pianos y destruyó el manuscrito del Quinteto de Cuerdas. En Abril de 1864 en Viena, Brahms junto a Carl Tausig, realizan el primer concierto de la sonata. En Junio vuelve a ser presentada pero ejecutada por Clara Schumann y Hermann Levi tres veces en concierto con gran éxito, pero ambos artistas le comentan a Brahms que la obra se sentía como una transcripción, y propusieron que le diera otro formato. Levi le propuso el de un Quinteto para Piano y Cuerdas, pero Clara fue más allá y propuso una orquesta entera. Brahms se quedó con la opción del Quinteto.
La obra fue finalmente terminada en el Verano de 1864 y dedicada a Su Alteza Real Ana de Hesse, publicada como Op. 34 y la sonata para dos pianos publicada como Op. 34bis. Este trabajo es un buen ejemplo de la actitud de Brahms ante la música en general. Se esforzó por defender los ideales clásicos utilizando unarigurosa estructura, al tiempo que la infusión de su música con un sentido romántico de la emoción. La emoción de Brahms, de hecho, a menudo requiere texturas gruesas. Esta es la razón por la que una gran parte de su producción de cámara fue para 5 o 6 voces, y, a menudo el uso de acordes en los instrumentos de cuerdas. De hecho, esta es también una gran parte de la razón de por qué había tantos problemas en la escritura de cuartetos de cuerdas.
Es una obra poderosa, hermosa, potente y de gran sonoridad.
Es una obra poderosa, hermosa, potente y de gran sonoridad.
01-Allegro non troppo
La pieza comienza de forma compacta, con un tema profundamente sentido desempeñado al unísono por el piano, violín y violonchelo. Después de momentos de suspenso, el piano comienza a pronunciar una serie alentadoras frases, acentuado por los acordes de las cuerdas y luego se rompe a través de un estallido dramático de la emoción. En este punto, la obra ha ejercido una gran cantidad de energía, ahora, los temas segundo y tercero, proporcionar una experiencia un poco menos dramática cuando la exposición llega a su fin. El desarrollo, como la exposición, es muy concentrada. En lugar de crear conflictos y contrastes, esta sección contiene pasajes de meditación sobre la base de los temas de primero y segundo. Hay un momento culminante aquí basado en el segundo tema. El primer tema, sin embargo, no se verá en cualquier tipo de clímax hasta muy al final del movimiento, donde el tema vuelve varias veces con el vigor de lo que originalmente con el que había entrado.
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02-Andante, un poco Adagio
El segundo movimiento está basado más o menos en un tema principal, y en las ideas relacionadas que lo complementan. Brahms se ocupa aquí de mantener la música que fluyendo en todo momento, dejando que el lirismo de la melodía sea la conductora. En términos estrictamente técnicos de la música está estructurada en un formato de la A-B-A, pero cada idea fluye tan bien con la siguiente que este sistema está bien disfrazado del oyente casual.
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03-Scherzo: Allegro
El tercer movimiento esta bien poblado con temas distintos. Lo primero que se escucha es un tema sincopado de la mano del violín y la viola; el segundo viene poco después, con su forma rítmica tensa, y el tercero viene en una gloriosa explosión, definiendo el escenario para la evolución a seguir. Para el resto del movimiento, Brahms juega con estos tres temas y deja que a su mente creativa correr. Sólo la sección Trío trae un poco de sentido de estabilidad a toda esta actividad frenética, pero pronto se vuelve a la apertura de la melodía sincopada.
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04-Finale: Poco sostenuto - Allegro non troppo - Presto, non troppo
Comienza con una introducción lenta intensa (descrito por la violinista Jennifer Tom como suena "como una casa encantada"). La tensión acumulada aquí es liberada con el inicio de la sección Allegro non troppo. Una vez más, en este movimiento, vemos un grupo de temas: una melodía folclórica, una meditación lírica, un vigoroso jugueteo, y las variaciones de las mismas.Estos temas, básicamente, luchan por la primacía durante el movimiento que termina con un cierre de una tremenda energía.
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Texto:
Página web del Cellista Anssi Karttunen, sección Johannes Brahms, String Quintet Op. 34
SOBRE LA VERSIÓN
Piano: Maurizio Pollini
Quartetto Italiano
Quartetto Italiano
Violín I: Paolo Borciani
Violín II: Elisa Pegreffi
Viola: Dino Asciolla
Cello: Franco Rossi
GRABACIÓN:
PHILIPS - Brahms: Complete Chamber Music [Box Set] [BOX SET]
Puede conseguirse en Amazon
eldalai - se agradecen comentarios
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